Arte Renacentista Italiano.

En Renacimiento  es la etapa en la cual se comienza la Edad Moderna. Surge en Italia a principios del siglo XV. El arte del renacimiento está caracterizado por la gran importancia que se le comienza a dar al hombre y a lo humano, también por el estudio y asimilación de las formas clásicas griegas y romanas.

            Dividiremos el arte renacentista en Italia en tres periodos El Quattrocento, El Alto Renacimiento y el Bajo Renacimiento o manierismo, esto para tener una periodización y hacer notar los cambios que surgen en cada periodo. En cada periodo mencionaremos a los grandes artistas que lo caracterizan en las disciplinas de arquitectura, pintura y escultura.

El Quattrocento siglo XV, es el inicio de la ruptura con la estética medieval y el establecimiento de nuevos ideales. En cuanto a la arquitectura se adaptan como ya lo menciona las formas medievales con las nuevas formas de retomar el arte de la antigüedad clásica. Entre los grandes autores y las grandes obras se encuentran:

            Filippo Brunelleschi (1337-1446) Apasionado por las formas clásicas  las adopta en cada una de sus obras. La que es considerada su construcción más novedosas es la cúpula de Santa María de las Flores  en la catedral de Florencia, se trata de una cúpula octagonal con dimensiones colosales, en realidad se trata de dos cúpulas unidas, una semiesférica y la exterior apuntalada. Entre otras de sus obras se encuentra las basílicas de San Lorenzo t del Santo Espíritu. Así también este autor es considerado el creador del modela de palacio renacentista.León Batitista Alberti (1404-1472) es considerado otro gran arquitecto, entre sus más grandes obras se encuentra el diseño de la fachada de Santa María Novella. También construye la Iglesia de San Andrés de Mantua y la fachada del Palacio Ruccellai de Florencia.

La escultura en el Quattrocento  asi como la arquitectura la escultura se adopta en los modelos clásicos y no olvidando la época medieval, en el renacimiento se emplea la estatua aislada.  Destacan las autores, Ghiberti, Donatello y Andrea Verrochio.

Lorenzo Ghiberthi (1378- 1455) Utiliza el relieve narrativo en las segundas puertas del Baptisterio  de Florencia en las cuales está claramente la influencia clásica. Otro autor es Donatello (1386-1466) innova en el renacimiento creando el primer retrato ecuestre: el condoterio Gattamelatta de Padua, representa a un guerrero que va a ser glorificado. Por último otro gran autor es Andrea Varrochio (1435-1488) quien parte de la obra de Donnatello para crear la estatua ecuestre del condoterio Colleoni en la cual el caballo solo se apoya en tres de su paras y se nota una mayor expresividad en el rostro.

La pintura en esta etapa la pintura en Italia así como la escultura y arquitectura no se olvida de la enseñanza gótica y también retoma los modelos grecolatinos. Los autores más destacados son Fra Angélico y Botticelli.

Fra Angélico pinra La Anunciación en la cual representa la religiosidad medieval e introduce elementos clásicos. Sandro Botticelli  el cual realizo composiciones mitológicas con temas tomados de Las metamorfosis de Ovidio como El nacimiento de Venus.

El Alto Renacimiento (1490- 1530) Con las nuevas tendencias, comienza la preocupación por el hombre y la reclusión con el mundo y la naturaleza. En la arquitectura comienza el interés por construcciones grandiosas y se comienza una relación con el mecenazgo papal. El autor más destacado es Donato Bramante, quien lleva a cabo la construcción del Templete de San Pietro in Monitorio el cual fue un encargo de los Reyes Católicos para conmemorar el martirio de San Pedro. Otra gran obra es la Basílica de San Pedro del Vaticano.

El Bajo Renacimiento o Manierismo (1530-1600). Se trata de la etapa final  de renacimiento, en esta etapa el renacimiento deja de ser exclusivamente italiano t se extiende por toda Europa. El termino manierismo proviene del italiana la palabra maniera que designa la interpretación personal y arbitraria de los elementos arquitectónicos. Miguel Ángel es considerado el iniciador de este estilo.

Miguel Andel Buonarotti, escultor, pintor y escritor. u el creador de múltiples obras entre las arquitectónicas están: La Basílica de San Pedro del Vaticano continua el proyecto de Bramante, realiza obras como la escalera de la Biblioteca Laurenziana y las Capillas de la Médicis en la iglesia florentina de San Lorenzo.

Jacopo Barozzi de Vignola en contracto con Miguel Ángel trabajó en la Villa Giulia y en la Iglesia del Gesú, que es el modelo de las basílicas para el barroco.

Alto Renacimiento y el Manierismo en Escultura y Pintura.

Escultura en el Alto Renacimiento y el Manierismo. Se revela un predominio por lo romano sobre lo florentino, tiende a la monumentalidad. Miguel Ángel es sin duda alguna quien marca todo este periodo. Entre sus obras se encuentra la Piedad Vaticana, la cual es una construcción muy equilibrada en manera piramidal y en el acabado podemos observar grandes calidades pictóricas en el juego de los paños t el estudio de la anatomía del cuerpo de Cristo. Otras de sus obras son La tumba de Julio II y la Pietá Rondanini.

La pintura podemos decir que en esta etapa se encuentra el auge y el crisis de la pintura renacentista. Por un lado la perfección del humanismo en la obra de Rafael y la crisis de los valores personales sobre la religión en la obra de Miguel Ángel.

Leonardo De Vinci, crea dos conceptos pictóricos: el sfumato y la perspectiva aérea. Consisten en formar una neblina en los fondos dando una perspectiva de movimiento entre las figuras. Entre sus obas esta La Gioconda otra de sus grandes obras esta la Última cena.

Rafael es considerado el que mejor representa el clasicismo del siglo XVI. En los frescos mostro el dominio de la perspectiva y el interés por la representación de la arquitectura clasicista. Entres estos se encuentran La liberación de San Pedro  y El triunfo de la eucarística o La escuela de Atenas.

Miguel Ángel  como ya lo hemos mencionado este autor es fundamental en el Renacimiento y aunque así mismo se consideraba como escultor hizo una maravilloso trabajo en la Capilla Sixtina que fue decorado por orden del Papa Julio II. En 133 y 1540 realiza El juicio final en el testero de la Capilla Sixtina.

Entre los artistas más destacado del manierismo estafan los florentinos Andrea del Sarto y Jacopo Pontormoro los cuales estuvieron influidos por Miguel Ángel. Correggio y Parmigianino influenciados por Leonardo, Rafael y Migue Ángel. El manierismo tiene una repercusión en la pintura del siglo XVI en Europa.

Fuentes de consulta:

*Alvelar, C. (2001) "Introduccion a la historia del arte". México: Limusa págs 140- 152

*Gómez, C. Lugo, c. Vázquez, M. (2008). "Historia del arte"- México: Cengage Leraning. págs 22-229

*MDD.(1990). "Resumen grafico e la historia del arte". México: G.Gilli. págs 136-150

*Manzaneque, A. "Arte Renacentista, Arquitectura Renacentista". extraído en 2014 desde http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/diapositivas_pdf/HA08T01_Powerpoint.pdf

*Manzaneque, A. "Arte Renacentista, Escultura Renacentista". Extraído en 2014 desde http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/diapositivas_pdf/HA08T02_Powerpoint.pdf

*Anonimo. "El Rencimiento" Extraído en 2014 desde http://www.educacion.gob.es/exterior/centros/severoochoa/es/departamentos/historia/material_julia/Arte_renacimiento_2_ESO.pdf

Cultura, arte y religión griega.

 Para intentar hacer una reseña de lo que ha sido el arte en la historia, habrá que empezar por  hablar del arte clásico y que mejor exponente que los griegos.

El movimiento de una cultura antigua depende en gran medida a sus rutas comerciales, estas que a su paso van dejando trozos de arte, religión, economía, lengua, telas y vida cotidiana. El griego tuvo la virtud de adoptar y adaptar ciertos caracteres que otras civilizaciones desprendían en cuanto rosaban con ellos. Un ejemplo fue el arte minoico que era a su época, un diseño innovador, surgió para adornar los palacios en creta. Pero en la caída de la economía del palacio de Cnosos, los artistas cretenses tuvieron que buscar como seguir pintando ya que de eso vivían, entonces dieron paso a Micenas en el Peloponeso, propiamente Grecia continental, surgiendo de esta manera el arte micénico: si bien, el artista era extranjero pero el arte se llevo a otro extremo. Aunque el arte en creta era un poco más vivo el dibujo tenía más armonía y en micenas perdió ese toque, quizá porque el artista solo quería terminar el trabajo y no buscaba nada más allá.

Las damas azules. Fresco del palacio de Cnosos
Arte Minoico 

Arte Micénico

En cuanto a la religión; la tradición literaria nos dice que la religión no era un aspecto metafísico como premeditadamente pensaríamos, es decir, para los griegos los dioses no eran algo externo al mundo, no tenían todos los saberes, ni todos los poderes; no habían creado al mundo ya que ellos mismos habían sido creados; ni si quiera eran eternos, tan sólo “inmortales”. Lo que nos concierne a comprender su concepto de religión, como una forma de ligar a una comunidad entre sí. Los dioses eran nombrados por los fenómenos naturales y no eran temidos nada mas eran respetados un dios podría intervenir cómodamente en asuntos de los mortales. A grandes rasgos la religión para ellos era un aspecto común, lo concebían como un acercamiento entre la comunidad y la ciudad, como algo cotidiano. Este escaso resumen no pretende profundizar demasiado, entiéndase a ser leído como breviario cultural para comprender un poco de una de las primeras civilizaciones.

Zeus

Hera

Templo Olimpo

Partenón

Autora: Camacho Martínez Valeria

Fuentes:* Louise Bruit Zaidman, Pauline Schmitt Pantel, La religión griega en la polis de la época clásica. Madrid, Akal, 2002

* Carl Grimberg, Historia Universal "Grecia de la cultura minoica a la Italia prerromana", México, Círculo de lectores, 1983

Periódico Escolar Sobre Arte y Cultura

En este periódico escolar encontraras...

*Estilos Artísticos.
La pintura.


















*Las Bellas Artes.
Pintura, escultura y arquitectura.

Pintura

Los Girasoles

Mármol

El David

Coliseo 

Coliseo Romano

*Cultura.
Religión Griega.

Partenón

Zeus

Templo Olimpo

Hera

                                           Autores:
                                                  Camacho Martínez Valeria
                                                  Islas Cerón Denisse
                                                  Piña Caballero Uzziel Osmar

Estilos Artísticos

La expresión “estilo artístico” se define como un conjunto identificable de características que permiten agrupar a una serie de obras o autores, los cuales compartirán elementos estables en cuanto a su forma y contenidos, permitiéndonos afirmar que tal obra o autor pertenecen a un u otro estilo.

Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico o temporal, o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. El concepto de estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza. Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente.

Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales, bien, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el arte románico, gótico, barroco, etc. Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o “escuela”, término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias.

En general hay un importante grado de flexibilidad ya que cada autor introduce sus propios elementos; sin embargo siempre habrá de permanecer aquella esencia que realmente defina al estilo.

No obstante, el estilo artístico no siempre es uniforme ni homogéneo, pueden acontecer diversas posibilidades que hagan más difícil concretar sus límites:

·              Las fronteras temporales de un estilo nunca son radicales, la transformación de uno a otro es siempre lenta, por lo que podemos encontrarnos en un mismo momento obras de estilo diferentes (ejemplo: el tránsito del Románico al Gótico en algunos puntos de Europa fue lento).

·              Puede ocurrir lo contrario, que se produzca un revival de estilos pasados y que se rescaten las mismas formas artísticas de épocas anteriores, encontrándonos así con un mismo estilo en épocas muy diferentes.

·              En otras épocas (sobretodo, en la Contemporánea), se superponen formas muy diferentes de expresión plástica, lo que supone la multiplicación de estilos diferentes en una misma época.

Autora:Islas Cerón Denisse


Fuentes:
 http://jr-tendencia.tripod.com/id17.htm
 http://artesable.blogspot.mx/2012/06/pintura-algunos-estilos-del-arte.html

Te presentamos algunas de las Bellas Artes

   

El David _ Miguel Angel

ESCULTURA:

 La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad.

El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.

 

Los Girasoles_ Vincent Van Gogh

PINTURA:

 Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela.

 La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.

 ARQUITECTURA: 

En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.

Coliseo Romano

                          

Autor: Piña Caballero Uzziel Osmar

Fuentes:
http://www.monografias.com/trabajos13/histarte/histarte.shtml